Charlas de moda

Sería extraño si dos cosas tan inefablemente bellas como la moda y el arte existieran independientemente la una de la otra. Lienzos pintorescos, esculturas elegantes, exquisitos mosaicos y bajorrelieves inimitables se pueden ver con mayor frecuencia no solo en museos y álbumes con reproducciones, sino también en las pasarelas.

Creemos que cada persona que tiene un sabor artístico mínimo ha experimentado esta extraña sensación al menos una vez en la vida: cuando visite Louvre, D’Orsay, Prado, Hermitage, o el Museo Metropolitano, cada uno de ustedes definitivamente desearía tomar al menos uno de esas impresionantes fotos.  Y teniendo esto en mente, los museos a menudo especulan sobre estos sentimientos de amantes del arte, lanzando para las compras bufandas, bolsos e incluso vestidos con las huellas de Renoir y Monet… pero los verdaderos conocedores preferirían tener una reacción negativa a tales experimentos. ¡Es terrible siquiera imaginar lo que Klimt diría si hubiera visto su “Beso” en una bufanda china sintética por 2 euros!

Por el contrario, cuando los diseñadores profesionales adoptan las interpretaciones de moda del arte, las obras de pintura, escultura y arquitectura se convierten en poderosas fuentes de inspiración para crear colecciones extraordinarias en las que las obras maestras adquieren una nueva vida. Tal ciclo!

Las bellas artes son un almacén inagotable de tramas, ornamentos, combinaciones de colores y texturas. Pero no basta con copiar la impresión que te gusta en el vestido, necesitas sentir la obra de arte, sentir el humor del artista, entender lo que el autor quería decir y expresarlo en los materiales y las formas. y siluetas usadas. Sin lugar a dudas, esto se hace posible no para todos los diseñadores, sino para obras verdaderamente talentosas que ganan fama eterna y entran en la historia no solo de la moda, sino también del arte.

Tales experimentos creativos requieren un cierto coraje, es por eso que los eminentes diseñadores seguros de sí mismos o los jóvenes y desesperados logran hacerlo. Para los últimos, los experimentos pueden ser una excelente forma de hacerse famoso y ganarse el nombre.

En este sentido, el ejemplo de las hermanas Kate y Laura Mallivi, fundadoras de la marca Rodarte, puede ser realmente ilustrativo. En 2011, crearon una colección que parecía como si el gran genio del postimpresionismo Vincent Van Gogh, se estuviese cosiendo vestidos. Los colores violeta, azul, amarillo y naranja, esparcidos por trazos texturizados y casi tangibles en una gasa idealmente ligera y fluida de una manera inusual, transmiten el estado de ánimo de las naturalezas muertas y los paisajes del maestro.

Las piezas de la colección se convirtieron en dos vestidos que se asemejan a los de los viejos años 50: “Girasoles” y “Noche estrellada” en ellos (para que nadie tenga preguntas sobre la fuente de la inspiración). Incluso las revistas que no eran de moda luego escribieron sobre la impresionante “exposición” de Van Gogh en la pista de aterrizaje de Nueva York, y hoy en día la gente todavía habla de ellas como un ejemplo de libro de texto de la interpenetración de la moda y el arte.

Además, Rodarte no fue la primera marca inspirada en las pinturas de Van Gogh. En 1988, Yves Saint Laurent creó dos brillantes chaquetas de alta costura, transfiriéndoles “Iris” y “Girasoles”, aumentando ligeramente el brillo y el contraste, tal como exigían el tiempo y la pista de aterrizaje.

Pero la principal contribución a la alianza de moda y pintura de YSL se hizo aún en 1965 (en el cuarto año de la existencia de la casa de moda YSL), cuando se creó toda la colección de vestidos basada en las pinturas abstractas de Piet Mondrian. Líneas rectas, asimetría de estampados, paleta, limitada solo por cinco colores, ¡vestidos como cosidos de las pinturas del artista! Por un lado, la colección parecía una continuación orgánica de la serie de pinturas Mondrian, y por otro lado, era una obra de arte completamente autosuficiente.

Otro gran ejemplo de la presencia del arte en las colecciones de alta costura fue un elegante vestido blanco de Dior con “The Great Wave off Kanagawa” en él. El grabado más famoso del destacado artista japonés Katsushika Hokusai, creado durante el reinado del clan Tokugawa, que causó furor en la colección de primavera de Dior, gracias al extraordinario talento de John Galliano.

Un resultado muy especial se puede lograr por los diseñadores que se inspiran no solo en las pinturas de los artistas, sino que también estudian cuidadosamente los detalles de su vida personal, siguen las etapas de la trayectoria creativa. Así, una asombrosa atención al detalle y un gran interés en la personalidad de Gustav Klimt permitieron a L’Wren Scott crear una colección que no solo sorprendió el parecido externo con las pinturas del primer modernista austríaco, sino que también transmitió el ambiente de su amor dramático. Vestidos de tweed, jacquard y brocado, decorados con extraños ornamentos bizantinos y egipcios, se asemejaban a los mejores lienzos del período “dorado” del maestro.

Pero lo más sorprendente que L’Wren Scott logró combinar en esa misma colección dos mundos completamente diferentes entre los cuales Klimt vivió, amó y creó sus obras maestras: la estricta dignidad aristocrática de Adele Bloch-Bauer y la facilidad bohemia de Emilie Flöge. Y, de hecho, los vestidos seguramente habrían sido del gusto de la musa y amante de la autora.

Las tendencias modernas estimulan a más y más diseñadores a buscar la inspiración en las obras de artistas clásicos y contemporáneos. Al mismo tiempo, la interacción entre la moda y el arte cambia a un nivel de calidad completamente diferente, sorprende la imaginación e incluso hace que la sofisticada audiencia admire. Y como un gran ejemplo de eso podría ser la colección F / W 13-14 de Dolce & Gabbana.

En este caso, el punto de partida no fue solo una pintura, sino un ejemplo único de la arquitectura sagrada: la Catedral de Monreale, en la ciudad siciliana de Palermo, con sus antiguos mosaicos bizantinos, utensilios antiguos de la iglesia y los elementos de la lujosa decoración interior. La colección es sorprendente: precisión en la reproducción de los mosaicos del siglo XII, la naturalidad de los colores y las sombras, la naturaleza orgánica del oro con incrustaciones de piedras multicolores y accesorios. Todos estos detalles ayudaron a los diseñadores a recrear el increíble efecto óptico del resplandor dorado, que se distinguió por los mosaicos bizantinos originales.

Con el ritmo actual de la tecnología y el desarrollo de ideas, uno solo puede adivinar cuáles serán las formas de interpenetración del arte en el futuro, pero por lo tanto será aún más interesante, ¿no?

Anna Bodrova para The Fashiongton Post